子供の世界を求める大人:李禹煥とジュアン・ミロ【横浜美術館 いつもとなりにいるから】

横浜美術館のリニューアルオープン記念展「いつもとなりにいるから 日本と韓国 アートの80年」に行ってきた。双方の美術潮流から在日コリアン、２世、３世と、はざまの関係性を示した映像作品なども多数あったけれど、とりあえず、大好きなアーティストがいる。

◯李禹煥が好き

今展覧会でも数点出品し、日本と韓国の美術の関係性の中で大きな存在感がある李禹煥。作家自体には理論的なイメージがある。その理論や哲学に言語的に触れたことはほとんどないんだけれど、なんでこんなに好きなんだろう。

彼の代表シリーズである《点より》と《線より》。そもそも青い色彩であり、点や線が徐々に薄れていく様子は、誰しもが風のような心地よさを感じるんじゃないだろうか。上から下だけれど、なぜだか「滝」という感じはしない。

「風」というとその言葉通り、《風より》と言うシリーズがあって、こちらは点より、線よりのようなシステマティックな線ではなく、上下左右に動く自由な線が画面を埋め尽くしている。

これも爽やかでだいぶ好きなんだけれど、均整が取れている点と線の集合のほうが好きだな。風の方がもっと自然的な様子を描いている感じがするけれど、少し規則があった方が好きなのだろうか。

「もの派」の運動はもちろん、余白を楽しむという日本人には馴染みのある美的感覚ももちろん大きい。「関係項」シリーズで置かれる石の集合は、綺麗な庭の中にいるような感覚になるし、「コレスポンデンス」シリーズは浮世絵にもなっている。ところでこの形、湯呑みっぽいなーと思っている。意識していることもないだろうけれど、そういうところでも安心感がある。

◯ジュアン・ミロと李禹煥

すーっと好きになる、と同じような感覚を覚えるのが、20世紀スペインの巨匠、ジュアン・ミロ。昨年春の東京都美術館で見たいくつかの作品も、李禹煥と似ている！と思った。

↑白いキャンパスにある青い星と謎の物体という２ショットの絵。右のどこからか飛んできた青い星は、ミロの絵によくある４芒星だけれど、左のはなんなのか、衛生とか人工物みたいだなーとか思うけれど、謎。

自由な線や細かいフォルムが多いミロだけど、この絵はまさに李禹煥の「関係項」シリーズみたいにたっぷりとした質感で絵の具が載せられている。青い星の境界線ももちろん、左の謎の物体の、タコのような、飛び跳ねる墨のように波うつ黒い足の部分も、キャンパスの白地との境界がくっきりと分かれている。

物体と白地の関係性に加えて、４芒星がひく赤と黄と青と色を変化させる放物線からは、点々のリズムを感じて、禹煥の絵を見るときのような軽やかさがある。ミロもキャンバスと絵の具の間の関係性を生涯追求した。

初期はキャンパスに白の空間を敷くことが多いけれど、晩年になると、黒い空間を作ったりしている。それは禹煥にはまだない特徴と言える。

◯子供を思い出したい大人

禹煥をさっき日本の感覚でわかりやすいと言ったけれど、それはミロにも言える、もしくはミロの方が当てはまる。ミロは禅の教え、日本の精神哲学に強く共振していて、画業を通して意識の先にある大きな宇宙を表すことを目的としている。色も形も何かを象徴していて、世界観を作り出している。

対して李禹煥はどうだろう。東洋的な哲学に親和性はありつつも、物体を置く、反芻して空間に対してどんな効果を及ぼすかを試しているようで、そこに物語性はなくて、もっと機能的で実験的、何かの象徴を表そうとしているわけじゃない。

見ているときの感覚としては、李禹煥が静かな呼吸を繰り返す感じがして、ミロも要素が少なく、確かに静かではあるんだけれど、脈拍が脳や体全体に行き渡るような、膨張するような感じがする。禹煥の方が、どんどん自己（作者）自身が作品に溶け合うような、どんどん消えていくのに対して、ミロはミロの世界という主体性が大きい。音楽っぽいのもミロの方かな。

さらにミロの絵は自動記述を元として、シュルレアリスムの中でも特に子供っぽい可愛らしい絵を描いている。芸術の中では子供のような無邪気な描き方を崇高とする考え方があるけれど、ミロはその表現に接近している。禹煥は子供のような無垢は感じられるんだけれど、実際は物体だけの無音に任せているようで、大人が自らの複雑さを消して、子供のような素朴を求めているような、そんな気がする。

もちろん良い意味で、ミロの方が天才的な表現を求めていて、禹煥はそういったところは諦めて、自然に手放しているような、ある意味見苦しさがないような、、、。もしかしたら自分含め、子供と大人の狭間にいる年頃だから禹煥の世界が刺さるのかもしれない。

◯蛍光色とキャンバス

李禹煥がもの派の作品群を制作する前の初期の作品として、大きなキャンバスに蛍光色(ピンク、オレンジ)を塗り広げた作品がある。目の錯覚によってキャンバスの外に色が広がっていくような体験を狙った作品。

一方、象徴的な意味を込めるとして、青、赤、黄色を基本的な色として多用した、ミロは画業で蛍光色は使用していない。生きている年代的には使用できたわけだけれど、最大限に利用できない、世界観が崩れるとして使わなかったのだろうか。

しかし、ミロの作品は夢、詩のような質感を持ち、さっき書いたように雲のようにふわっと広がるような背景で描かれているものも多い。そんなミロが蛍光色を使っていたらどんな作品になっていただろう。

おならが蛍光色になっていたかも。

日本との親和性、視覚的な余白の美は共通していた李禹煥とジュアン・ミロ。アプローチは違えど、物体とそれが作り出す空間の関係を模索した二人は、キャンバスという空間そのものにも物理的なアクションを及ぼしている。

ミロの、燃やす、火という拡大していく操作に対して、禹煥の穴を開けるという、規則的な反復の操作。ここでも二人の世界観の違いがわかりやすい。

それと、郭仁植もミロに通じるような怪物のドローイング、空間認識に関する彫刻など気になるものが多かった。

◯本当に好き、としてみる

現代美術は一貫して難しい、よくわからない。好きになるとしても、複雑で斬新、気分が高揚する、カウンター、皮肉、諧謔的なコンセプトが面白い、深みがあってスルメのように楽しめるみたいな感じだけれど、李禹煥だけは違う。初めてみた時から、スッキリと楽しめる。毎朝の散歩で訪れる、静かな庭のような、そんな空気が好き。

以前、フランダースの犬ばりに絵画の前で昇天するならどれが良いかな？なんてことを考えたりしたけれど、自分の場合、李禹煥の点とともに、自分の存在も、大気に溶け合っていくような、そんな静かな最後だと嬉しい、、、そこまで思うことができる。

もちろん現代美術含め、色々な好きな作家がいるわけだけれど、李禹煥のように頭の中が整うような、巨大すぎるインパクトがないような作品を「本当に好き」と言ってみようかな、と最近思っている。実際、美術館で彼の作品が見れるだけで嬉しいし、後味も爽やかになる。個人的に購入して家に飾りたいという意味でも一番かもしれない！

李禹煥好きだよ！という方、他にもそういう画家がいる方はぜひ教えて欲しいです。

おわり

横浜美術館「いつもとなりにいるから 日本と韓国 アートの80年」は3月22日まで

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