青春映画おすすめ33選｜80年代の金字塔から邦画・アニメまで年代順に徹底解説

学校の廊下、部室の匂い、帰り道の自転車。青春映画が描くのは、たった数年しか続かない不安定な季節です。当事者だったころは早く抜け出したかったのに、過ぎてしまうと妙に取り戻したくなる。この矛盾こそが、1950年代から70年以上にわたって青春映画が作られ続けている理由だと言えます。

ただ、ひとくちに青春映画と言っても中身は驚くほど幅があります。土曜日の居残りで人生観をぶつけ合う話もあれば、線路づたいに死体を探しに行く話もある。吹奏楽部の再生劇もあれば、教室の隅で誰にも見つからないまま壊れていく話もあります。同じ「青春」という言葉で括られていても、必要としている読者はまったく別物です。

この記事では、青春映画を年代順・地域別に8つの章へ整理し、33作品を紹介します。1955年の原点から2020年代の日本映画まで、それぞれが「青春のどの局面」を切り取った作品なのかがわかる構成にしました。結末に触れる記述は避けているので、未見の作品も安心して読み進められます。

青春映画の選び方｜4つの軸

作品数が多いジャンルなので、闇雲に有名作から観ても刺さらないことがあります。以下の4軸を意識すると、自分に合う一本にたどり着きやすくなります。

軸1：観たいのは「祝祭」か「痛み」か

青春映画は大きく二系統に分かれます。ひとつは仲間と何かを成し遂げる祝祭型。文化祭、部活の大会、卒業前夜のパーティーなど、盛り上がりの熱量で押してくるタイプです。もうひとつが孤立と痛みを描く内向型。教室での居場所のなさ、家庭の事情、自分が何者かわからない不安を静かに映します。

元気が欲しいときに内向型を選ぶと沈みますし、心が弱っているときに祝祭型を観ると置いていかれた気分になります。今の自分の状態に合わせて章を選ぶのが確実です。

軸2：洋画か邦画か

洋画の青春映画は「自立」がテーマの中心にあります。家を出る、親と決別する、大学へ行く。物理的に移動することで大人になる構造が多い。

対して邦画は「所属」がテーマになりがちです。部活、教室、地元。集団の中でどう振る舞うかを描き、卒業という制度的な区切りが物語を閉じます。この違いを知っておくと、なぜ同じ高校生の話なのに読後感がここまで違うのかが腑に落ちます。

軸3：年代（自分の記憶と重ねるか、知らない時代を覗くか）

80年代アメリカの青春映画には、日本の観客にとって完全な異国の風景が広がっています。ロッカーの並ぶ廊下、プロム、卒業アルバム。知らない時代の空気を覗く楽しみがあります。

一方で2000年代以降の邦画は、携帯電話やSNSの登場によって人間関係の距離感そのものが変質した時代を記録しています。自分の学生時代とどれくらいズレているかを確かめる観方もできます。

軸4：音楽の比重

青春映画は音楽映画と隣接しています。バンド、吹奏楽、ロックコンサート。音が主役級に働く作品は、テレビのスピーカーで観るか、ヘッドホンで観るかで印象が変わります。この記事では音楽比重の高い作品にはその旨を書き添えました。

【原点】青春映画のはじまり｜1955〜1983年

「ティーンエイジャー」という言葉が消費文化の中心に躍り出た1950年代から、それが映画のジャンルとして固まる80年代直前までの4本です。

① 理由なき反抗（1955）｜ニコラス・レイ

青春映画というジャンルの起点に置かれる一本です。転校してきた高校生ジムが、地元の不良グループと衝突しながら、同じく孤立した少女ジュディ、少年プレイトーと束の間の疑似家族を作っていきます。

主演のジェームズ・ディーンは本作の公開直前に24歳で事故死しており、赤いブルゾンにジーンズという姿は今も反抗する若者のアイコンとして流通しています。ただ、実際に観ると印象は違います。ジムは粗暴な不良ではなく、父親が母親に頭が上がらない家庭で「まっとうな大人の見本」を持てずに苦しむ少年として描かれます。

監督のニコラス・レイは、シネマスコープの横長画面を使って登場人物の孤立を視覚化しました。プラネタリウムのシーンや、天文台前の対決は構図だけで感情を語る名場面です。「大人が信用できないから、自分たちで家族をやり直そうとする」という骨格は、後の青春映画がくり返し使う型になりました。

70年前の作品ながら、親子の断絶という主題は少しも古びていません。⑧のスタンド・バイ・ミーや⑩のマイ・プライベート・アイダホと合わせて観ると、疑似家族というモチーフの系譜が見えてきます。

② アメリカン・グラフィティ（1973）｜ジョージ・ルーカス

『スター・ウォーズ』以前のジョージ・ルーカスが、自身の高校時代を下敷きに撮った低予算作品です。1962年、カリフォルニアの田舎町。高校を卒業して翌朝には町を出る予定の若者たちが、最後のひと晩を車で流し続けます。

物語らしい物語はほとんどありません。ナンパ、ドラッグレース、ラジオ局への訪問といった断片が並行して進むだけです。それでも強烈な喪失感が残るのは、「この夜がもう二度と来ない」という予感が全編に張りついているからです。

特筆すべきは音楽の使い方です。ウルフマン・ジャックのラジオ番組という設定で40曲以上のオールディーズが途切れなく流れ、劇伴を一切使いません。この「劇中の音楽だけで映画を成立させる」手法は後続に強い影響を与えました。当時無名だったハリソン・フォードやリチャード・ドレイファスが出ているのも見どころです。

製作費は約77万ドル、興行収入は1億ドルを超えました。卒業と別れを描く映画の原型として、⑳のレディ・バードや㉚の桐島、部活やめるってよにまで届く射程を持っています。

③ 愛と青春の旅だち（1982）｜テイラー・ハックフォード

海軍航空士官候補生学校を舞台にした作品です。荒れた家庭で育ったザックが、士官になるという一点だけを頼りに13週間の訓練へ飛び込みます。鬼教官フォーリー曹長との衝突、工場で働く地元の女性ポーラとの関係が並行して進みます。

学園ものではありませんが、「自分を作り直すために厳しい環境へ身を投げる」という青春の一形態を正面から描いた点で外せません。訓練の描写は容赦がなく、脱落していく候補生たちの姿がザックの選択に重みを与えます。

フォーリー曹長を演じたルイス・ゴセット・ジュニアはアカデミー助演男優賞を受賞しました。主題歌「愛は吹きぬける」も同年のアカデミー歌曲賞を獲得しています。リチャード・ギアはこの作品でスターの地位を固めました。

邦題に「青春」と入っているとおり、日本では長く青春映画の代表格として扱われてきました。⑨のいまを生きると並べると、厳格な制度の内側で若者がどう自分を確立するかという共通主題が浮かび上がります。

④ アウトサイダー（1983）｜フランシス・フォード・コッポラ

S・E・ヒントンが16歳で書いた同名小説の映画化です。1960年代のオクラホマ、貧困層の「グリース」と富裕層の「ソッシュ」に分かれた若者たちの抗争を、ポニーボーイという少年の視点で追います。

驚くのはキャストです。C・トーマス・ハウエル、マット・ディロン、ロブ・ロウ、パトリック・スウェイジ、ダイアン・レイン、エミリオ・エステベス、トム・クルーズ。のちに80年代を席巻する若手が一本に集まっており、俳優カタログとしての価値も高い作品です。

コッポラは『地獄の黙示録』の直後に、中学生からの手紙をきっかけにこの企画を引き受けました。夕焼けを強調した色彩設計と、ロバート・フロストの詩「Nothing Gold Can Stay」の引用が、失われる時間への感傷を作品全体に染み渡らせます。

現行盤は上映版と復元版の両方を含む「コンプリート・ノベル」の4Kレストア版です。原作寄りに再編集されたバージョンは音楽も差し替えられており、印象がかなり変わります。①の理由なき反抗が作った不良少年像が、20年後にどう更新されたかを確かめるのに最適な一本です。

【80年代】アメリカ青春映画の黄金期｜1984〜1989年

青春映画が産業として確立した時代です。ジョン・ヒューズという作家の登場によって、高校生の内面が真面目に描かれるようになりました。

⑤ フットルース（1984）｜ハーバート・ロス

ロックとダンスが条例で禁止された田舎町に、シカゴから転校してきた高校生レンが波風を立てる物語です。禁止令を主導する牧師の娘エリエルとの関係を軸に、レンは町の若者たちにダンスパーティーの開催を認めさせようと動きます。

企画の出発点は実話です。1970年代のオクラホマ州エルモアシティで、80年以上ダンスを禁じていた町の高校生がプロムを勝ち取ったという新聞記事が下敷きになっています。「若者の身体表現を大人が管理しようとする」という構図は、時代や国を問わず通用します。

ケニー・ロギンスの主題歌をはじめ、サウンドトラックはビルボード1位を10週間維持しました。ケヴィン・ベーコンが工場で怒りを爆発させる倉庫のダンスシーンは、映画史に残る単独ダンスのひとつです。

⑥や⑦と同じ80年代でも、こちらは共同体と個人の対立を描く社会派の骨格を持っています。音楽の比重が非常に高いので、できるだけ音量を出せる環境で観ると印象が変わるタイプです。

⑥ ブレックファスト・クラブ（1985）｜ジョン・ヒューズ

土曜日の居残り処分に集められた5人の高校生が、図書室で1日を過ごすだけの映画です。優等生、スポーツ選手、不良、変人、お嬢様。カーストの異なる5人が、退屈から会話を始め、やがて互いの家庭事情を吐き出していきます。

ほぼ全編が図書室というワンシチュエーションで、アクションらしいアクションは何も起きません。それでも90分が持つのは、脚本が「高校生同士が本音を言うまでの手続き」を丁寧に踏んでいるからです。相手を馬鹿にする、挑発する、逆上する、黙る。その順番が現実の会話に極めて近い。

監督のジョン・ヒューズは、大人を戯画化する一方で10代の悩みは決して笑いものにしませんでした。この姿勢が当時の若い観客に支持され、以降の学園映画の書き方を決定づけます。ラストに流れるシンプル・マインズ「Don't You (Forget About Me)」は、この作品なしには存在しなかった曲です。

⑦と同じ監督ですが、トーンは正反対です。内側にこもって語り尽くすのが本作、外へ飛び出して遊び倒すのが⑦という関係で、続けて観ると作家の幅がよくわかります。

⑦ フェリスはある朝突然に（1986）｜ジョン・ヒューズ

仮病を使って学校をサボった高校生フェリスが、親友と恋人を連れてシカゴの街を1日遊び倒します。教頭に追い回され、友人の父親のフェラーリを無断で借り出し、パレードに乱入して歌う。徹底して能天気な作りです。

ただ、この映画の核は遊びの楽しさではありません。親友キャメロンの抑圧された家庭と、彼が1日を通してわずかに変化する過程が物語の背骨になっています。フェリスは主人公でありながら、実は最初から最後までほとんど成長しない触媒的な存在です。

マシュー・ブロデリックが観客に直接カメラ目線で語りかける手法は当時としては大胆で、のちの学園コメディに広く継承されました。シカゴ美術館のシーンでは台詞を一切使わず、絵画と表情だけで内面を描いています。

サボりを肯定する映画でありながら、時間の有限性を説く映画でもあるという二重構造が長く支持されている理由です。落ち込んでいるときに観ると効く一本として、②のアメリカン・グラフィティとセットで手元に置く価値があります。

⑧ スタンド・バイ・ミー（1986）｜ロブ・ライナー

スティーヴン・キングの中編「The Body」を原作に、1959年のオレゴンの田舎町を舞台とした作品です。12歳の少年4人が、行方不明になった同い年の少年の遺体を見に行くため線路づたいに歩き出します。

ホラー作家として知られるキングの、恐怖を扱わない作品の映画化です。冒険譚の体裁を取りながら、実際に描かれるのは4人それぞれが抱える家庭の欠落です。兄を失った家で透明人間のように扱われるゴーディ、暴力的な父を持つクリス、それぞれの事情が焚き火の場面で少しずつ明かされます。

作家となった大人のゴーディの回想という構造が、全編に取り返しのつかなさを与えています。冒頭とラストのナレーションが同じ主題を裏返して提示する構成は、脚本の教科書に載る精度です。リヴァー・フェニックスの繊細な演技も本作の評価を決定づけました。

日本では公開当時よりもテレビ放送やビデオを通じて広まり、青春映画の代名詞として定着しました。①で提示された疑似家族の主題が、「血縁より一時的な友情のほうが救いになる」という形で完成したのがこの作品です。

⑨ いまを生きる（1989）｜ピーター・ウィアー

1959年のアメリカ、規律で固められた全寮制の名門男子校が舞台です。新任の英語教師キーティングが、教科書を破り捨てさせ、机の上に立たせ、詩を自分の言葉で読むことを生徒たちに教えます。

ロビン・ウィリアムズの代表作として知られますが、物語の主役は教師ではなく生徒たちです。医者になることを親に決められたニール、内気なトッド、それぞれが自分の意志で何かを選ぼうとする過程が丁寧に追われます。教師は火をつける役割にとどまり、その火をどう扱うかは生徒に委ねられます。

「Carpe Diem（その日を摘め）」というラテン語の警句を広く知らしめた作品でもあります。ただし本作は「好きに生きろ」と単純に肯定はしません。自由を教えることの危うさまで引き受けている点が、類似作と一線を画す部分です。

監督のピーター・ウィアーは『ピクニックatハンギング・ロック』でも閉ざされた学校を描いており、制度の重さの撮り方に一貫性があります。③の愛と青春の旅だちと並べると、厳格な学校を舞台にした二つの答えが比較できます。

【90年代】インディーが描いた痛みの青春｜1991〜1999年

スタジオの外側から出てきた作家たちが、それまで映画になりにくかった若者の姿を撮り始めた時期です。祝祭より孤立、成功より停滞に焦点が移ります。

⑩ マイ・プライベート・アイダホ（1991）｜ガス・ヴァン・サント

ナルコレプシーを抱えるマイクと、市長の息子でありながら路上生活を選ぶスコット。ポートランドで身体を売って生きる二人の若者が、マイクの母親を探して旅に出ます。

シェイクスピアの『ヘンリー四世』を下敷きにした台詞回しが挿入される、極めて異形の青春映画です。居場所のなさを「眠り」という身体症状として可視化した発想が図抜けています。マイクは感情が高ぶるたびに意識を失い、目覚めると見知らぬ場所にいる。この反復が寄る辺なさを観客の身体感覚に落とし込みます。

リヴァー・フェニックスは本作でヴェネツィア国際映画祭の男優賞を受賞しました。焚き火のシーンで彼が自ら書き加えたとされる告白の場面は、90年代アメリカ映画屈指の名演として語り継がれています。キアヌ・リーヴスとの対比も鮮やかです。

⑧のスタンド・バイ・ミーで少年時代を演じたリヴァー・フェニックスが、5年後にこの役に到達している事実そのものが重い。帰る家を持つ者と持たない者の非対称を描いた点で、青春映画の中でも特異な位置にあります。

⑪ グッド・ウィル・ハンティング/旅立ち（1997）｜ガス・ヴァン・サント

マサチューセッツ工科大学の清掃員として働く20歳のウィルは、廊下に貼り出された数学の難問を誰にも知られず解いてしまう天才でした。虐待を受けて育った彼が、心理学者ショーンとのカウンセリングを通して自分の殻を破っていきます。

脚本を書いたのは当時20代のマット・デイモンとベン・アフレックで、二人はこの作品でアカデミー脚本賞を受賞しました。「才能があるのに、それを使うと自分の環境から離れてしまう」という葛藤は、地方から出るかどうかで迷ったことのある人に強く刺さります。

ショーンを演じたロビン・ウィリアムズは助演男優賞を受賞しました。⑨のいまを生きるでも導き手を演じていますが、こちらは自身も傷を抱えた人物として造形されており、対等な関係に近づいていきます。公園のベンチでの長台詞は、説教ではなく告白として機能する書き方の見本です。

ボストンの労働者階級の描写も具体的で、幼馴染チャッキーの一言が終盤の選択を後押しします。⑩と同じ監督ながら、こちらは救済のある物語として着地します。

⑫ ヴァージン・スーサイズ（1999）｜ソフィア・コッポラ

1970年代のミシガン州の郊外住宅地。厳格な両親のもとで育てられた5人姉妹を、近所の少年たちが窓越しに眺め続けます。物語は数十年後、大人になった少年たちの回想として語られます。

ソフィア・コッポラの長編デビュー作です。姉妹の内面はほとんど描かれず、外から見た印象と噂だけで構成されるという語りの選択が本作の核心にあります。少女たちを理解したつもりでいた少年たちが、結局何もわかっていなかったという構造が最後まで維持されます。

エールのアンビエントな音楽、褪せたパステルの色彩、逆光の多用。これらは以降の彼女の作品にも受け継がれる要素です。キルスティン・ダンストが演じる次女ラックスの存在感が、映画全体の温度を決めています。

原作はジェフリー・ユージェニデスの同名小説です。現行盤は4Kレストア版のUHDとブルーレイの2枚組で、フィルムの質感を残したまま解像感が上がった仕上がりになっています。⑬と同じ1999年公開ですが、少女の内面を外から見るか内から見るかで正反対のアプローチを取っています。

⑬ 17歳のカルテ（1999）｜ジェームズ・マンゴールド

1960年代末、18歳のスザンナが精神科病院に入院します。境界性人格障害という診断を受けた彼女が、個性の強い患者たちと過ごす日々を描いた作品です。原作はスザンナ・ケイセンの実体験に基づく回想録です。

「病気なのか、それとも思春期なのか」という線引きの曖昧さが全編を貫きます。周囲の期待に乗れない、将来像を描けない、何がしたいのかわからない。それが治療の対象になる時代と場所に置かれてしまった若者の物語として読めます。

リサ役のアンジェリーナ・ジョリーがアカデミー助演女優賞を受賞しました。規則を無視して周囲を煽動するリサは魅力的ですが、映画は彼女を単純な自由の象徴としては扱いません。ウィノナ・ライダーが演じる主人公が、憧れと決別のあいだで揺れる過程が主題です。

⑫が少女を外から眺めるのに対し、こちらは当事者の視点から「まともさ」の基準を問い直します。合わせて観ると、90年代末に少女をどう描くかが大きく更新されたことがわかります。

【2000年代】音楽と自意識の青春｜2000〜2007年

ゼロ年代の青春映画は、主人公が自分を語るときの語彙が一気に増えます。音楽やサブカルチャーが自己紹介の道具になった時代の記録でもあります。

⑭ あの頃ペニー・レインと（2000）｜キャメロン・クロウ

1973年、15歳の少年ウィリアムがローリング・ストーン誌の依頼を受け、新進バンドのツアーに同行して記事を書くことになります。過保護な母の反対を押し切り、彼はバンドとグルーピーたちの世界に足を踏み入れます。

監督のキャメロン・クロウは実際に15歳でローリング・ストーン誌の記者になった人物で、本作はほぼ自伝です。取材対象に憧れてしまった書き手が、どこまで正直に書けるのかという職業倫理の話でもあります。アカデミー脚本賞を受賞しました。

架空のバンド「スティルウォーター」の楽曲は本作のために書き下ろされ、演奏場面にも説得力があります。バスの中で全員がエルトン・ジョンの「Tiny Dancer」を歌い出す場面は、仲違いした集団が音楽で一時的に修復される瞬間を捉えた名シーンです。

ケイト・ハドソンが演じるペニー・レインは、自由に見えて実は誰よりも脆い存在として書かれています。⑮のスクール・オブ・ロックと合わせると、ロックが若者にとって何の代わりだったのかが立体的に見えてきます。

⑮ スクール・オブ・ロック（2003）｜リチャード・リンクレイター

バンドをクビになった売れないギタリストが、友人になりすまして名門私立小学校の臨時教師に潜り込みます。授業をサボって生徒たちにロックを教え込み、バンド・コンテストへの出場を目指すコメディです。

主演のジャック・ブラックの熱量が全編を引っ張ります。ただ本作の巧みさは、子どもたちを「教えられる側」で終わらせない構成にあります。演奏に向かない生徒には照明や衣装、マネジメントを任せ、全員に役割を与える。競争ではなく分業として集団を作る過程が丁寧です。

脚本はマイク・ホワイト、監督はリチャード・リンクレイター。⑱の6才のボクが、大人になるまで。を10年がかりで撮る作家が、こんな娯楽作も手がけている振れ幅は覚えておく価値があります。子役たちは実際に楽器を演奏しています。

ロック史のトリビアが大量に散りばめられており、音楽好きほど密度が上がります。落ち込んだときに確実に効く一本として、⑦のフェリスはある朝突然にと並ぶ位置づけです。

⑯ JUNO/ジュノ（2007）｜ジェイソン・ライトマン

16歳のジュノが予期せぬ妊娠をし、生まれてくる子を養子に出すと決めて里親候補の夫婦と関わっていく物語です。重くなりがちな題材を、皮肉と早口の会話で処理していきます。

ディアブロ・コディの脚本はアカデミー脚本賞を受賞しました。独特の造語混じりの台詞回しは好き嫌いが分かれますが、まさに「大人びた口調で武装する10代」の記号として機能しています。エレン・ペイジ（現エリオット・ペイジ）の演技がその鎧と素顔の切り替えを支えました。

里親候補の夫婦を単純な善人にも悪人にもしていない点が、この作品を長持ちさせています。大人になりきれていない大人と、大人ぶっている子どもが向かい合う構図が終盤で効いてきます。

ジェイソン・ライトマン監督は前作『サンキュー・スモーキング』でもきわどい題材を軽妙に処理しており、本作でもその手つきが生きています。主人公を断罪も称揚もせず、一定の距離から見守る書き方が最後まで崩れません。

キミヤ・ドーソンを中心としたアンチフォーク系のサウンドトラックは、本作の空気を決定づけました。ゼロ年代のインディー映画の空気を一本で確かめたい場合、まずここから入るのが早いはずです。

【2010年代以降】新しい青春映画｜2012〜2019年

主人公の属性が広がった時代です。誰が語り手になれるのかという前提そのものが更新されました。

⑰ ウォールフラワー（2012）｜スティーヴン・チョボスキー

高校に入学した内気な少年チャーリーが、上級生のパトリックとサムの兄妹に見つけられ、居場所を得ていく物語です。原作は同名の書簡体小説で、著者自身が脚本と監督を務めています。

「壁の花」でいることを選んできた少年が、観察者から当事者になる過程が主題です。パーティーで初めて自分が受け入れられたと感じる場面、トンネルを抜けるドライブの場面。どちらも派手さはありませんが、当事者にとっての一大事として撮られています。

エマ・ワトソンが『ハリー・ポッター』シリーズ完結直後に選んだ役として話題になりました。エズラ・ミラーが演じるパトリックの造形も、当時の学園映画としては踏み込んだものです。デヴィッド・ボウイの「Heroes」の使い方が象徴的に機能します。

チャーリーが抱える過去には触れませんが、物語は彼が単に内気なだけではないことを終盤に向けて少しずつ明かしていきます。⑥のブレックファスト・クラブが図書室で行った本音の交換を、2010年代の語彙で更新した作品と言えます。

⑱ 6才のボクが、大人になるまで。（2014）｜リチャード・リンクレイター

同じキャストで12年間、毎年少しずつ撮影を重ねて完成させた異例の作品です。主人公メイソンが6歳から18歳になるまでを、実際に成長していく子役の身体そのもので描きます。

特殊メイクも役者の交代も使わず、時間の経過を本物の時間で担保した点が最大の発明です。声変わり、身長、顔つきの変化が画面上で連続的に起こり、観客は12年を2時間45分で通過します。母親役のパトリシア・アークエットはアカデミー助演女優賞を受賞しました。

劇的な事件はほとんど起きません。転校、引っ越し、母の再婚と離婚、初めての恋。どれも人生の主要事件になりきらないまま流れていく手触りが、実際の成長の感覚に極めて近い。監督のリンクレイターは⑮のスクール・オブ・ロックの作り手でもあります。

青春映画の多くが高校3年間に焦点を絞るのに対し、本作は幼年期から接続することで「青春がいつ始まっていつ終わったのか」を曖昧なまま提示します。②のアメリカン・グラフィティが一夜に凝縮したものを、12年に引き伸ばした対極の作品です。

⑲ ムーンライト（2016）｜バリー・ジェンキンス

マイアミの貧困地区で育った黒人少年シャロンの人生を、少年期・高校時代・成人後の三章構成で描きます。アカデミー作品賞を受賞した作品です。

各章で主演俳優が交代する構成が独特で、体型も顔立ちも違う3人が同一人物を演じます。にもかかわらず視線の下げ方や肩のすくめ方が引き継がれており、変わったものと変わらなかったものが同時に見えます。

薬物依存の母、面倒を見てくれる麻薬ディーラー、幼馴染のケヴィン。過酷な環境を強調するのではなく、その中で沈黙するしかなかった感情を撮る姿勢が一貫しています。青と紫を基調にした照明設計は、タイトルの通り月光の質感を追求したものです。

原作はタレル・アルビン・マクレイニーの戯曲で、監督のバリー・ジェンキンスと原作者はどちらもマイアミの同じ地区で育っています。別々の実体験が一本に流れ込んだ結果、脚色作品でありながら自伝的な密度を獲得しました。

青春映画としては極めて静かな部類に入ります。台詞は少なく、説明もほとんどありません。⑰のウォールフラワーが言葉で居場所を獲得する物語だとすれば、こちらは言葉を持てなかった時間そのものを描いた作品です。

⑳ レディ・バード（2017）｜グレタ・ガーウィグ

2002年のカリフォルニア州サクラメント。カトリック系高校に通う17歳のクリスティンは、自分を「レディ・バード」と名乗り、退屈な地元から東海岸の大学へ出ることだけを考えています。

グレタ・ガーウィグの単独初監督作です。この映画の真の主役は母娘関係で、経済的な事情から娘の進学に反対する母マリオンとの衝突が全編の推進力になります。互いに愛情はあるのに、口を開けば嫌味になる。この距離感の再現度が突出しています。

シアーシャ・ローナンとローリー・メトカーフの演技はどちらもアカデミー賞にノミネートされました。冒頭、走行中の車から飛び降りる場面が二人の関係を一発で説明します。地元を出ることが目的化していた少女が、離れて初めて故郷を認識するという着地も見事です。

友情の描き方にも誠実さがあります。派手なグループに移ろうとして親友を蔑ろにする流れは、多くの人に思い当たる節があるはずです。②のアメリカン・グラフィティから続く「町を出る映画」の系譜の、現時点での到達点と言えます。

㉑ ブックスマート 卒業前夜のパーティーデビュー（2019）｜オリヴィア・ワイルド

勉強一筋で名門大学への進学を決めた優等生のエイミーとモリーが、卒業前夜に衝撃の事実を知ります。遊び倒していたはずのクラスメイトたちも、同じかそれ以上の進路を掴んでいたのです。二人は失った3年分の青春を一晩で取り戻そうと動き出します。

「真面目にやった側」の悔しさから始まるという切り口が新鮮です。努力と楽しさは二者択一ではなかったという苦い発見を、疾走感のあるコメディとして処理していきます。俳優のオリヴィア・ワイルドによる初監督作品です。

エイミーとモリーの友情の書き方が本作の白眉です。異性関係が話の中心にありながら、最終的に修復すべき最重要の関係は二人の友情に設定されています。言い争いの場面を音楽だけで見せる演出など、形式面の工夫も多い。

⑦のフェリスはある朝突然にが提示した「一夜の逸脱」の型を、2010年代末の価値観で更新した作品です。下ネタの分量は少なくないので、そこが苦手な場合は⑰や⑳から入るほうが合います。

【日本①】部活と仲間で駆け抜ける青春｜2001〜2021年

邦画の青春映画で最も層が厚いのが部活ものです。目標が明確で、期限があり、集団で挑む。物語の骨格として極めて優秀な設定です。

㉒ ウォーターボーイズ（2001）｜矢口史靖

廃部寸前の男子高校水泳部が、新任の女性教師の思いつきでシンクロナイズドスイミングに挑むことになります。文化祭での発表までの数か月を、失敗と脱落を繰り返しながら描く作品です。

部員が5人しかいない、指導者が途中でいなくなる、練習場所すら確保できない。障害を積み上げてから一気に解放する構成が非常に整理されています。矢口史靖監督の作劇は、笑いのために状況を壊さず、あくまで登場人物の努力の延長として笑いを発生させます。

妻夫木聡の出世作であり、玉木宏、瑛太も出演しています。埼玉県立川越高校の実在の男子シンクロ部が着想源で、映画の公開後に全国の高校へ同様の活動が広がりました。フィクションが現実の部活動を生み出した稀有な例です。

ラストの演技シーンは、途中まで積み上げた不格好さがあるからこそ効きます。㉓のスウィングガールズと同じ監督ですが、こちらのほうが集団の結束を素直に描いており、初見の一本としては入りやすいはずです。

㉓ スウィングガールズ（2004）｜矢口史靖

山形の田舎町の女子高生たちが、成り行きでビッグバンド・ジャズを始めます。補習を逃れるためという不純な動機から、少しずつ演奏そのものにのめり込んでいく過程が描かれます。

㉒の男子シンクロに続く「素人集団が本格的な技能に挑む」路線ですが、こちらは音楽が題材である分、上達の実感が音として直接伝わります。出演者は撮影のために実際に楽器を習得しており、演奏シーンは吹き替えなしです。

上野樹里、貫地谷しほり、本仮屋ユイカら当時の若手が揃いました。方言の使い方、猪や電車との遭遇といった土着的なエピソードが、都会の学園ものとは違う手触りを作っています。

冒頭で吹奏楽部が食中毒で全滅するという乱暴な導入も、後半の演奏を成立させるための助走として機能しています。中古楽器の購入資金をアルバイトで工面する場面など、生々しい障害を省略しない点が㉒から続く矢口作品の誠実さです。

「Sing, Sing, Sing」を軸にしたサウンドトラックは単体でも聴かれました。㉔のリンダ リンダ リンダと並べると、同じ女子高生バンドものでも、祝祭として描くか停滞として描くかで作品は正反対になることがよくわかります。

㉔ リンダ リンダ リンダ（2005）｜山下敦弘

文化祭の3日前、バンドメンバーの脱退と骨折で演奏が絶望的になった女子高生たちが、たまたま通りかかった韓国人留学生ソンをボーカルに迎え、ザ・ブルーハーツの曲を練習します。

盛り上がりを徹底的に排除した部活映画です。会話はかみ合わず、練習は進まず、感動的な激励もありません。長回しと生活音を多用した山下敦弘の演出が、高校生活の間延びした時間をそのまま画面に定着させます。

ペ・ドゥナが演じるソンの、言葉が通じないゆえの距離感が全体の緩衝材になっています。深夜のカラオケや体育館での待ち時間など、本筋と無関係な時間にこそ本作の価値があります。だからこそ最後の演奏が効きます。

ザ・ブルーハーツの曲を選んだ理由も、作中ではほとんど説明されません。前任のボーカルが好きだったという事実だけが置かれ、そこに意味づけをしない姿勢が全編を貫いています。

現行盤は4Kデジタルリマスター版です。㉓のスウィングガールズが上達の物語だとすれば、こちらは上達しないまま本番が来る物語です。㉚の桐島、部活やめるってよと合わせると、日本の学校を「何も起きない場所」として撮る系譜が見えてきます。

㉕ ちはやふる -上の句-（2016）｜小泉徳宏

競技かるたを題材にした末次由紀の漫画の実写化です。高校に入学した千早が、幼い頃に一緒にかるたを取った仲間を思いながら、部を立ち上げて全国大会を目指します。

競技かるたという地味に見える題材を、視覚的に成立させた点が最大の功績です。畳の上で札が飛ぶ一瞬を、音の設計とスローモーション、視線の切り返しで格闘技のように見せます。原作の絵の力を実写でどう置き換えるかという課題に、明確な答えを出しました。

広瀬すずの身体能力と、真剣佑、野村周平ら共演陣の配置も的確です。部員が5人揃わないと団体戦に出られないという競技ルールが、そのまま仲間集めのドラマになる構造も巧い。

原作は長期連載の大作で、映画版は序盤のエピソードを大胆に整理しています。省略への不満が出た部分もありますが、2時間の枠に競技の魅力と人間関係の両方を収めるうえでは妥当な取捨選択です。

本作は三部作の一作目にあたり、続く「下の句」「結び」で物語が完結します。まずこの一本で乗れるかどうかを確かめるのが賢い入り方です。㉒㉓と同じく、目標が明確な部活ものの王道を踏んでいます。

㉖ サマーフィルムにのって（2021）｜松本壮史

時代劇を愛する女子高生ハダシが、映画部の主流である恋愛映画路線に反発し、自分の時代劇を撮るために仲間を集めます。文化祭での上映を目指す、映画作りの映画です。

好きなものが多数派でない側の焦りを主題に据えた点が新しい。ハダシの怒りは作品への愛から来ており、それが仲間を巻き込む動力になります。伊藤万理華の主演で、映画部やアクション部の面々が一人ずつ集まっていく過程が心地よい。

物語には少しだけSF的な仕掛けが加わりますが、それは青春の有限性を語るための装置として機能します。「今しか撮れないものを、今撮る」という主題が終盤に凝縮されます。

低予算ながら手作りの熱量が画面に出ており、2020年代の日本の青春映画として評価が高い一本です。㉒から続く部活ものの系譜に、創作という主題を持ち込んだ最新形として位置づけられます。

【日本②】痛みと停滞を見つめる青春｜1996〜2012年

祝祭の裏側を撮った邦画です。学校が閉じた空間であることの息苦しさを、逃げずに映した4本を並べます。

㉗ キッズ・リターン（1996）｜北野武

授業をサボり、カツアゲを繰り返す高校生のマサルとシンジ。二人はやがてボクシングとヤクザという別々の道へ進みますが、どちらも思い描いた通りにはいきません。

北野武が交通事故からの復帰第一作として撮った作品です。暴力描写を排し、笑いも抑えた抑制的な演出で、才能と挫折の距離を淡々と見せます。上達していく側と伸び悩む側が入れ替わる展開が、努力と才能の関係を残酷に描きます。

久石譲の音楽と、自転車で校庭を回るショットの組み合わせが強く記憶に残ります。金子賢と安藤政信という当時の新人二人を主演に据え、演技の粗さごと画面に取り込む選択も効いています。

タイトルの「キッズ」が複数形である点も見逃せません。本作は二人の物語であると同時に、彼らの周囲で夢に破れていく若者たちの群像でもあります。売れない漫才コンビや喫茶店で働く同級生の短いエピソードが、その広がりを担保しています。

ラストの短いやりとりは、日本映画の名台詞として広く知られています。まだ終わっていないと言い切るわけでもなく、諦めるわけでもない独特の距離感が、この作品を単なる挫折譚から遠ざけています。

㉘ リリイ・シュシュのすべて（2001）｜岩井俊二

中学2年の雄一は、カリスマ的な歌手リリイ・シュシュのファンサイトに書き込むことだけを支えに、学校での深刻ないじめに耐えています。田園風景と匿名掲示板のテキストが交互に画面を埋めていきます。

インターネット黎明期の匿名コミュニケーションを、これほど早い段階で映画に取り込んだ作品は他にありません。画面に流れる緑色の文字列は、当時の掲示板文化そのものです。ハンドルネームでしか繋がれない関係の希薄さと切実さが同時に描かれます。

デジタルカメラによる手持ち撮影と、ドビュッシーを引用した劇伴の組み合わせが独特の浮遊感を生みます。市原隼人、忍成修吾、蒼井優らが10代で出演しました。

内容は非常に厳しく、万人に勧められる作品ではありません。ただ、学校という制度が閉じているがゆえに起きることを記録した作品として、避けて通れない一本ではあります。㉙の花とアリスと同じ監督とは思えない振れ幅も、確認する価値があります。

㉙ 花とアリス（2004）｜岩井俊二

幼馴染の花とアリスが、ひとりの先輩をめぐって嘘を重ねていく物語です。花がついた「記憶喪失」という嘘に、アリスが巻き込まれる形で話が転がります。

㉘とは対照的に、こちらは徹底して軽やかです。中学から高校にかけての女子二人の関係を、恋愛の三角関係に還元せずに描いた点が優れています。友情が壊れるかどうかの緊張は最後まで残りますが、映画はそれを深刻に処理しません。

蒼井優が紙コップを足に履いてバレエを踊るオーディションの場面は、日本映画屈指の名シーンとして知られています。長回しで撮られたこの数分間だけでも観る価値があります。鈴木杏との呼吸も自然です。

岩井俊二作品に共通する逆光と手持ちカメラの映像は本作でも健在ですが、㉘のような息苦しさはありません。同じ手法でも被写体との距離を変えるだけで、ここまで印象が変わるという実例になっています。

もとはネット配信の短編から発展した企画で、後年にはアニメーションによる前日譚も作られました。㉘で消耗した観客が回復するための一本として、順番を考えて並べる価値があります。

㉚ 桐島、部活やめるってよ（2012）｜吉田大八

バレー部のキャプテンで学校の中心人物だった桐島が、突然部活をやめた。その一報だけで、まったく関係のないはずの生徒たちの日常が静かに崩れていきます。

タイトルロールの桐島は最後まで画面に登場しません。同じ金曜日を複数の生徒の視点から反復して見せる構成により、スクールカーストの上下がどう可視化されているかが浮かび上がります。原作は朝井リョウのデビュー小説です。

映画部の前田を演じた神木隆之介と、上位カーストの宏樹を演じた東出昌大の対比が主題を担います。好きなものがある側と、器用に何でもできるがゆえに何もない側。屋上のクライマックスは、この構図を一気に反転させます。

興味深いのは、原作にあった桐島本人の視点が映画では完全に削られている点です。中心を空洞にしたことで周囲の反応だけが残り、集団の中で誰かの存在がどう機能していたのかが逆に鮮明になります。

日本アカデミー賞の最優秀作品賞を受賞しました。㉔のリンダ リンダ リンダと同じく、大事件を起こさずに学校を撮る系譜にあります。㉖のサマーフィルムにのってと合わせると、映画を撮る高校生の描かれ方の変化も見えてきます。

【アニメ】声にならない感情を描く青春｜2007〜2016年

日本のアニメーションは、実写では成立しにくい繊細な感情の推移を得意としてきました。青春映画としての完成度が高い3本を選びました。

㉛ 秒速5センチメートル（2007）｜新海誠

小学校で親しくなった貴樹と明里が、進学と転居によって離れ離れになります。3つの短編で構成され、小学生時代・高校時代・社会人になってからの三段階が描かれます。

距離と時間がどう感情を摩耗させるかを主題にした作品です。第1話の雪の日の移動シーンは、電車の遅延という日常的な出来事だけで極限の緊張を作り出します。携帯電話が普及する直前という時代設定が、連絡の取れなさを必然にしています。

新海誠の作画の特徴である、光と雲と背景の密度はこの時点で完成しています。総尺63分と短く、劇伴も控えめです。説明的な台詞をほとんど使わず、風景と独白だけで進む構成は好みが分かれるものの、青春映画としての切れ味は鋭い。

第2話では舞台が種子島へ移り、主人公を想う別の少女の視点から物語が語られます。届かない気持ちが二重に重なる構成によって、単純な初恋の物語から一段抜け出しました。3話それぞれで語り手が変わる設計も効いています。

現行の通常版ブルーレイは近年出た版で、入手しやすい状態にあります。㉜㉝と比べると集団を描かず、二人と一人の関係だけに絞った作品です。

㉜ 心が叫びたがってるんだ。（2015）｜長井龍雪

幼い頃の失言が原因で家庭が壊れ、以来「喋ると腹が痛くなる」という自己暗示を抱えた少女成瀬順が、地域交流会の実行委員に選ばれ、ミュージカルを作ることになります。

言葉が人を傷つけるという主題を、ミュージカルという「言葉を歌に変える」形式で解決に向かわせる構成が見事です。既存のクラシック曲やポップスに歌詞を乗せて劇中歌を作る過程そのものが、順の回復と重なっていきます。

監督の長井龍雪、脚本の岡田麿里、キャラクターデザインの田中将賀という「あの日見た花の名前を僕達はまだ知らない。」と同じ布陣です。舞台は埼玉県秩父市で、実在の風景が丁寧に描き込まれています。

劇中で使われるのは誰もが知るクラシックや唱歌で、そこへ登場人物の事情に沿った日本語詞が乗せられます。既知のメロディに新しい言葉を重ねる作業そのものが、過去を上書きしていく行為の比喩になっています。

4人それぞれが言えないことを抱えており、順だけの話に閉じない点も評価できます。声を出すのが怖いという感覚に覚えがある人には、特に強く届くはずです。現行の4K Ultra HD版は色再現が向上しています。

㉝ 聲の形（2016）｜山田尚子

小学生のとき、聴覚障害のある転校生・西宮硝子をいじめた石田将也が、その報いで自身も孤立します。高校生になった彼が硝子と再会するところから物語が動き出します。

加害者側の視点から始まるという構造が本作を難しくもし、価値あるものにもしています。安易な和解を許さず、赦されたい側の身勝手さまで描き込む。原作は大今良時の漫画で、京都アニメーションが映画化しました。

山田尚子の演出は身体の部分に強く寄ります。足元、指先、伏せた視線。将也が他人の顔を見られない状態を「×印」で表現する処理は、主観の可視化として極めて効果的です。音の設計も、硝子の聞こえ方を再現する場面で緻密に作られています。

㉜と同じく「伝えたいのに伝えられない」ことが主題ですが、こちらはそもそも赦されるべきなのかという問いを最後まで手放しません。青春映画の枠を超えた強度を持つ一本です。

青春映画を深く味わうための3つの視点

同じ作品でも、どこに目を向けるかで得られるものが変わります。ここでは33本を通して有効な観方を3つ挙げます。

視点1：主人公が「どこへ行こうとしているか」を見る

青春映画は移動の映画です。②のアメリカン・グラフィティも⑳のレディ・バードも、町を出るかどうかで揺れる主人公を描いています。⑩のマイ・プライベート・アイダホに至っては、行き先そのものを見失った旅が物語になります。

一方、邦画の多くは移動しません。㉔も㉚も、登場人物は同じ校舎の中にとどまり続けます。移動できない物語では、代わりに「立場の変化」が移動の役割を果たします。カーストの上下、部活の中での役割、友人関係の再編成。この読み替えを覚えておくと、邦画の青春映画が急に読みやすくなります。

視点2：音楽が「劇伴」か「劇中曲」かを聞き分ける

②は劇伴を一切使わず、ラジオから流れる曲だけで映画を成立させました。⑭も⑮も、音楽は登場人物が実際に聴いたり演奏したりするものとして画面に存在します。

対して⑲や㉛では、音楽は登場人物には聞こえていない外側の層から鳴ります。登場人物と一緒に聴いているのか、彼らを外から眺めながら聴いているのか。この違いが観客の立ち位置を決めています。意識して聞き分けると、作品ごとの距離感の設計が見えてきます。

視点3：撮影された年と、描かれている年のズレを確認する

意外に見落とされがちな点です。②は1973年公開で1962年を、④は1983年公開で1960年代を、⑫は1999年公開で1970年代を描いています。⑳も2017年公開で2002年が舞台です。

青春映画の多くは、その時代を生きた作り手が10年から30年後に振り返って撮っています。同時代を撮った作品は意外と少ない。このズレを知っておくと、画面に漂う懐かしさが誰の懐かしさなのかがはっきりします。⑱の6才のボクが、大人になるまで。が特異なのは、このズレを構造的に消し去った点にあります。

配信とディスク、どちらで観るか

青春映画は配信サービスでも数多く見つかります。それでもディスクを手元に置く理由がいくつかあります。

✅ 配信からは静かに消える：権利期間が切れると予告なく配信終了になります。特に90年代以前の作品と、単館系の邦画は入れ替わりが激しい。

✅ 4Kレストア版の画質は配信と差がある：④のアウトサイダーや⑫のヴァージン・スーサイズのように、近年フィルムから修復し直された作品は、ディスク版のほうがビットレートに余裕があります。

✅ 特典映像が青春映画は特に濃い：⑥や⑧のような集団劇は、キャストの再集結インタビューや未公開シーンが収録されていることが多く、本編の理解が深まります。

✅ 日本語吹替の有無が版で違う：古い洋画では、テレビ放送用の吹替音源が特定のエディションにしか入っていない場合があります。吹替で観たい作品は収録内容を確認してから選ぶのが確実です。

逆に、まず内容を確かめたいだけなら配信で十分です。観返す確信が持てた作品からディスクに切り替えていく進め方が、無駄がありません。

気分から選ぶ早見リスト

観たい気分が先にある場合の入り口です。

👉 とにかく元気が出るものが観たい → ⑦ フェリスはある朝突然に／⑮ スクール・オブ・ロック／㉒ ウォーターボーイズ

👉 仲間と何かを成し遂げる話が観たい → ⑤ フットルース／㉓ スウィングガールズ／㉕ ちはやふる -上の句-／㉖ サマーフィルムにのって

👉 静かに沁みるものが観たい → ⑧ スタンド・バイ・ミー／⑲ ムーンライト／㉛ 秒速5センチメートル

👉 今の自分の停滞に効くものが観たい → ⑪ グッド・ウィル・ハンティング/旅立ち／⑰ ウォールフラワー／㉗ キッズ・リターン

👉 親との関係を考えたい → ⑨ いまを生きる／⑯ JUNO/ジュノ／⑳ レディ・バード

👉 学校という場所の息苦しさを確かめたい → ⑥ ブレックファスト・クラブ／㉘ リリイ・シュシュのすべて／㉚ 桐島、部活やめるってよ

👉 時間の流れそのものを味わいたい → ② アメリカン・グラフィティ／⑱ 6才のボクが、大人になるまで。／㉔ リンダ リンダ リンダ

よくある質問

Q. 青春映画は10代のうちに観たほうがいいのでしょうか

むしろ逆のことが多いというのが実際のところです。⑧のスタンド・バイ・ミーも⑱の6才のボクが、大人になるまで。も、回想という構造を持っています。過ぎた時間を扱う作品は、過ぎた側の観客に強く届くように書かれています。

一方で⑰のウォールフラワーや㉜の心が叫びたがってるんだ。のように、渦中にいる人へ直接語りかける作品もあります。当事者向けと回想向けを見分けると、勧める相手を間違えにくくなります。

Q. 洋画と邦画、どちらから入るべきですか

自分の学生時代との距離で決めるのが早い。知らない世界として楽しみたいなら洋画、記憶を刺激されたいなら邦画が向いています。

洋画から入る場合は⑧のスタンド・バイ・ミーか⑥のブレックファスト・クラブ、邦画なら㉒のウォーターボーイズか㉚の桐島、部活やめるってよが入口として機能します。

Q. 古い作品は今観ると退屈ではないでしょうか

①の理由なき反抗は1955年、②のアメリカン・グラフィティは1973年の作品ですが、どちらもテンポは決して遅くありません。むしろ台詞の情報量は現代作より少なく、画面を見ているだけで話が進みます。

注意が必要なのは尺よりも価値観のほうです。50年以上前の作品には、現在の基準では受け入れにくい描写も含まれます。そこを時代の記録として読むか、素直に引っかかるかで評価は変わります。

Q. アニメ作品を青春映画に入れるのは適切ですか

実写とアニメを分ける必然性は薄いと考えています。㉝の聲の形が扱う加害と赦しの問題は、実写の青春映画がほとんど正面から扱ってこなかった領域です。表現手法が違うだけで、青春の内実を描くという目的は同じです。

ただし、アニメ作品は原作漫画がある場合が多く、映画単体では説明が足りない部分も出てきます。㉝は特に情報量が多いので、気に入ったら原作へ進むと理解が深まります。

Q. 家族と一緒に観られる作品はどれですか

⑤のフットルース、⑧のスタンド・バイ・ミー、㉒のウォーターボーイズ、㉕のちはやふる -上の句- あたりが安全です。㉑のブックスマートと⑯のJUNO/ジュノは性的な話題が直接的に出てくるため、相手を選びます。

㉘のリリイ・シュシュのすべては暴力といじめの描写が厳しく、予備知識なしに人へ勧めるのは避けたほうがよい作品です。

まとめ｜33本をどう並べて観るか

青春映画は本数が多いぶん、選び方を間違えると当たりに届かないまま疲れてしまいます。この記事の33本は、年代と地域で章立てしてあるので、興味のある時代から縦に読むこともできますし、気分から横断的に拾うこともできます。

整理すると、押さえる順番は3通りあります。

✅ 歴史をたどる順：①→②→⑥→⑧→⑩→⑮→⑱→㉑と進むと、青春映画というジャンルが70年でどう変質したかが体感できます。

✅ 日本から入る順：㉒→㉓→㉕→㉚→㉔と進むと、部活ものの祝祭から学校の静けさまで、邦画の幅がつかめます。

✅ 今の気分に効かせる順：前章の早見リストから1本を選び、その作品が言及している他の番号へ横に移動していく方法です。作品同士の関係が見えるので、次の一本で迷いません。

どの順番でも構いませんが、痛みを扱った章だけを連続で観るのは避けたほうが無難です。⑫⑬⑲㉘㉚あたりは一本ごとに消耗します。祝祭型と内向型を交互に挟むと、最後まで気持ちよく走りきれます。

そして、青春映画を観る最大の効用は、過ぎた時間を懐かしむことではありません。当時わからなかったことが、今ならわかるという発見にあります。⑥のブレックファスト・クラブで5人が最後に交わす結論も、㉚の桐島、部活やめるってよで屋上に立つ二人の距離も、10代のときとは違って見えるはずです。

まずは気になった1本から手に取ってみてください。